침묵의 공명(共鳴): 장원실의 조형 언어에 관한 고찰

부제: 부재와 현존 사이, 기억이 남긴 흔적의 미학

I. 서론: 시간을 담아내는 그릇으로서의 캔버스

동시대 미술에서 캔버스는 더 이상 대상을 단순히 재현하는 평면이 아니다. 그곳은 작가의 내면적 고백과 외부 세계의 소란스러운 소음이 충돌하는 각축장이거나, 혹은 그 모든 것을 포용하는 침묵의 성소로 기능한다. 화가  장원실(Chang Onesil)의 세계로 들어서는 일은 후자, 즉 깊은 침묵의 성소와 마주하는 경험이다.

그녀의 작품은 시각적으로 강렬함을 뽐내며 아우성치지 않는다. 대신 관람객으로 하여금 소란을 멈추고 그 고요한 공간으로 발을 들이게 하며, 그 안에 숨겨진 ‘흔적의 언어’를 해독해주기를 끈기 있게 기다린다. 장원실의 예술적 여정은 기억, 존재, 그리고 관계에 대한 끈질긴 탐구다. 그녀는 공간을 흐르는 시간, 기억의 잔향, 그리고 사람과 사람 사이의 정서적 울림과 같은 비물질적인 것들을 독자적인 조형 언어로 시각화한다. 

본 평론은 장원실의 작품 세계 전반에 나타나는 ‘축적(Accumulation)’과 ‘소거(Erasure)’의 미학을 분석하고, 그녀의 추상 속에 내재된 인본주의적 시선을 조명하고자 한다.

II. 본론 1: 층위(Layer)의 현상학 – 축적과 지움의 미학

장원실 작가의 작품에서 가장 먼저 시선을 사로잡는 것은 캔버스의 **표면(Matière, 마티에르)**과 그로부터 우러나오는 깊이감 있는 색채다. 그녀의 색은 결코 단선적이지 않다. 그것은 시간의 흐름 속에서 수없이 반복된 붓질이 쌓여 만들어진 결과물이며, 육체적 노동을 통해 구축된 ‘다성적인 색채의 장(Polyphonic Color Field)’이다.

1. 기억의 팰림프세스트(Palimpsest) 장원실의 작업 방식은 마치 *팰림프세스트(양피지에 쓴 글자를 긁어내고 그 위에 다시 글을 쓴 고대 문서)*를 연상시킨다. 그녀는 색을 칠하고, 덮고, 다시 긁어내고, 그 위에 또다시 색을 입힌다. 이러한 반복적인 행위는 단순한 기술적 과정이 아니라, 인간의 기억이 작동하는 방식을 모방한 제의적 수행(Performance)에 가깝다. 우리의 기억이 원형 그대로 보존되는 것이 아니라, 시간의 흐름에 따라 재구성되고 흐릿해지며 그 위에 새로운 감정이 덧입혀지듯, 그녀의 캔버스는 이러한 ‘시간의 두께’를 물성으로 포착해낸다.

2. 추상과 구상의 긴장 관계 그녀의 작품은 추상(Abstract)의 경향을 띠면서도 현실과의 끈을 완전히 놓지 않는다. 색면 사이로 부유하는 모호한 형상들—나무, 집, 혹은 사람의 실루엣을 닮은—은 ‘그곳에 있음’과 ‘그곳에 있었음’의 경계에 서 있다. 이러한 모호성은 관람객의 상상력을 자극한다. 작품이 특정한 내러티브에 갇히는 것을 방지하고, 관람객 각자의 보편적 경험으로 확장될 수 있도록 열어두는 장치다. 그녀의 추상은 현실의 부정이 아니라, 현실의 본질만을 남기기 위한 증류(Distillation)의 과정이다.

III. 본론 2: 관계의 철학 – 연결과 분리, 그리고 여백

장원실의 작업은 일관되게 **‘관계(Relationship)’**라는 화두를 던진다. 이는 인간과 인간 사이의 관계뿐만 아니라, 인간과 자연, 자아와 세계 사이의 긴장을 포괄한다.

• 여백의 의미와 기능 그녀의 화면 구성에서 채워진 공간만큼이나 중요한 것은 비어 있는 공간, 즉 여백이다. 그러나 장원실의 ‘여백’은 단순한 공허(Void)가 아니다. 그것은 대상들이 호흡하고 존재할 수 있게 하는 ‘숨구멍’이다. 이는 비움이 곧 없음이 아니라 기운(氣)으로 충만한 상태라는 동양적 자연관을 반영한다. 작품 속 대상들 사이의 거리는 현대 사회의 관계에서 요구되는 심리적 거리, 즉 서로의 존재를 침범하지 않으면서 존중하기 위해 필요한 ‘적당한 거리두기’를 시각적으로 은유한다.

• 치유로서의 따뜻함 기억과 시간이라는 주제가 줄 수 있는 기저의 쓸쓸함에도 불구하고, 장원실의 작품을 지배하는 주된 정서는 ‘따뜻함’이다. 흙(Earth tone)이나 따뜻한 회색조, 차분한 파스텔 톤을 주조색으로 사용하는 그녀의 팔레트는 안온함을 전달한다. 이는 피로한 현대 사회를 향한 작가의 의도적인 위로의 제스처다. 그녀는 상실의 아픔이나 존재의 외로움을 ‘수용의 풍경’으로 승화시킨다. 상처 입은 기억조차도 시간이 지나면 우리 삶의 아름다운 침전물로 가라앉는다는 것을 그녀의 그림은 조용히 역설한다.

IV. 본론 3: 빛과 그림자가 구축하는 정서의 건축

장원실의 작품에서 빛은 서사를 극대화하는 중요한 역할을 한다. 하지만 그녀의 빛은 외부의 특정 광원으로부터 쏟아지는 빛이 아니다. 그것은 캔버스 내부로부터 배어 나오는 듯한 빛이다.

• 내재된 발광(Inner Luminescence) 얇고 투명한 물감을 여러 번 겹쳐 바르는 글레이징 기법 등을 통해, 그녀는 빛이 캔버스의 깊은 층위에서부터 스며 나오는 듯한 효과를 만들어낸다. 이 ‘내면의 빛’은 대상이 가진 생명력이나 정신의 불멸성을 상징한다. 희망이나 진실은 외부가 아닌 내면에 존재한다는 시각적 은유이기도 하다.

• 질감의 정서적 기능 작품의 질감은 시각뿐만 아니라 촉각을 자극한다. 거칠면서도 온기가 느껴지는 마티에르는 낡은 벽이나 오래된 직물을 만질 때의 촉각적 기억을 소환한다. 이러한 공감각적(Synesthetic) 접근은 작품과 관람객 사이의 장벽을 허물고, 즉각적인 정서적 이입(Empathy)을 유도한다.

V. 결론: 소음의 시대, 침묵이 가진 힘

이미지의 범람과 감각 과잉의 시대에, 장원실의 회화는 보기 드문 미덕을 제시한다. 바로 침묵이다.

그녀의 작품은 소리치지 않고 속삭인다. 관람객에게 잠시 멈춰 서서 오래 바라보고, 자신의 내면의 소리에 귀 기울일 것을 요청한다. 작가가 캔버스 위에 성실하게 쌓아 올린 ‘시간의 흔적’들은 관람객 자신의 기억과 내면 풍경을 비추는 거울이 된다.

장원실은 "진정성"의 화가다. 현란한 기교나 자극적인 소재를 지양하고, 회화의 본질과 삶의 의미를 탐구하는 구도자(Seeker)의 길을 묵묵히 걷는다. 그녀의 작품들은 예술적 생명력이 새로움이 아니라 ‘깊이’에서 나온다는 사실을 증명한다. 우리는 그녀의 그림 앞에서, 빛바랜 우리의 기억과 고단한 일상이 사실은 다채로운 색으로 겹겹이 쌓인 아름다운 층위임을 깨닫고 위로받는다.

결국 장원실의 예술은 우리에게 영혼의 안식처(Shelter)를 제공하며, 예술이 단순한 미적 대상을 넘어 삶을 치유하고 회복시키는 도구임을 상기시킨다. 그녀의 조용하지만 울림 있는 조형 언어는 앞으로도 한국 화단에서 묵직한 존재감을 가질 것이다.

The Resonance of Silence: A Study on Chang Onesil's Plastic Language

Subtitle: Between Presence and Absence, The Aesthetics of Traces Found in Memory

I. Introduction: The Canvas as a Vessel for Time

In contemporary art, the canvas is no longer merely a plane for reproduction. It acts as a battlefield where the artist's inner confession and the chaotic noise of the external world collide, or conversely, as a sanctuary of silence that embraces both. Entering the world of painter Chang Onesil, we encounter the latter—a sanctuary of profound silence.

Her work does not clamor for attention. Instead, it invites the viewer to step into a hushed space, waiting patiently for them to decipher the "language of traces" hidden within. Chang’s artistic journey is a persistent inquiry into memory, existence, and relationships. She visualizes the immaterial—time flowing through space, the lingering scent of a memory, and the emotional resonance between people—using a unique plastic language. This critique aims to analyze the aesthetics of "accumulation" and "erasure" evident in Chang Onesil’s oeuvre and to illuminate the humanist gaze embedded in her abstraction.

II. Body 1: The Phenomenology of Layers – The Aesthetics of Accumulation and Erasure

The most striking feature of Chang Onesil's work is her treatment of the surface (matière) and the depth of color that emerges from it. Her colors are never singular. They are the result of countless brushstrokes layered over time, a "polyphonic color field" constructed through physical labor.

1. The Palimpsest of Memory Chang’s technique is reminiscent of a palimpsest (a manuscript page from which the text has been scraped or washed off so that the page can be reused for another document). She applies color, covers it, scrapes it away, and paints over it again. This repetitive act is not merely a technical process but a ritual performance mimicking the operation of human memory. Just as memories are not preserved in their original raw state but are reconstructed, faded, and overlaid with new emotions over time, her canvas captures the "thickness of time."

2. The Tension Between Abstraction and Figuration While her works often lean towards abstraction, they rarely abandon the cord to reality completely. Vague forms—resembling trees, houses, or human silhouettes—float within the color fields. These forms exist on the boundary between "being there" and "having been there." This ambiguity stimulates the viewer's imagination. It prevents the work from being trapped in a specific narrative, allowing it to expand into a universal experience. Her abstraction is not a rejection of reality, but a distillation of its essence.

III. Body 2: The Philosophy of Relations – Connection and Separation

Chang Onesil’s work consistently addresses the theme of "Relationship." This encompasses not only relationships between humans but also the tension between human and nature, and the self and the world.

• The Meaning of Margins (Yeobaek) In her compositions, the empty space is as significant as the filled space. However, her "margins" are not mere voids. They are "breathing spaces" that allow the objects to exist and resonate. This reflects a distinctly East Asian view of nature, where emptiness is not the absence of things but a space filled with energy (Qi). In Chang’s paintings, the distance between objects represents the psychological distance in modern relationships—a "moderate distance" necessary to respect one another’s existence without encroachment.

• Warmth as a Method of Healing Despite the underlying melancholy often associated with memory and time, Chang’s dominant sentiment is "warmth." Her color palette, often utilizing earth tones, warm greys, and muted pastels, conveys a sense of comfort. This is the artist’s deliberate gesture of consolation to a weary contemporary society. She transforms the pain of loss or the loneliness of existence into a "scenery of acceptance." Her paintings suggest that even scarred memories can eventually settle as beautiful sediment in our lives.

IV. Body 3: The Architecture of Emotion Constructed by Light and Shadow

Light plays a crucial role in dramatizing the narrative in Chang Onesil’s work. However, her light does not pour down from a specific external source; rather, it seems to emanate from within the canvas.

• Inner Luminescence By layering thin, translucent washes of paint, she achieves an effect where light seems to seep through the deeper layers of the canvas. This "inner light" symbolizes the vitality of the subject or the enduring nature of the spirit. It serves as a visual metaphor asserting that hope or truth lies not outside, but within.

• The Emotional Function of Texture The texture in her work appeals to the sense of touch as much as sight. The rough yet warm textures trigger a tactile memory, like touching an old wall or a worn piece of fabric. This synesthetic approach breaks down the barrier between the artwork and the viewer, inducing an immediate emotional immersion (Empathy).

V. Conclusion: The Power of Silence in an Age of Noise

In an era of image overflow and sensory overload, Chang Onesil’s paintings offer a rare virtue: Silence.

Her work does not shout; it whispers. It demands that the viewer stop, look for a long time, and listen to their own inner voice. The "traces of time" she meticulously stacks onto the canvas act as a mirror, reflecting the viewer's own memories and inner landscapes.

Chang Onesil is a painter of "sincerity." She avoids dazzling techniques or provocative subjects, choosing instead to silently walk the path of a seeker, exploring the essence of painting and life. Her works prove that true artistic vitality comes not from novelty, but from depth. As we stand before her paintings, we are comforted by the realization that our fading memories and weary daily lives are, in fact, layered with beautiful colors.

Ultimately, Chang Onesil’s art serves as a spiritual resting place (Shelter), reminding us that art is not just an aesthetic object, but a tool for life that heals and restores us. Her silent yet resonant visual language will continue to hold significant weight in the Korean contemporary art scene.